OKUDA transformó una iglesia con su arte urbano

La Capilla Sixtina del arte urbano y el skate

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Ciudades como Zurich, Londres, Varsovia, Tennesse, México DF, Miami o Queensland, etc, etc..  llevan el graffiti de Okuda  en sus muros.  Su arte tiene un punto de cubista, compuesto por una explosión de colores geométricos.  Okuda pinta en polígonos triángulos de colores que rellenan caras u objetos bien definidos. Una alegoría de la rosa de los vientos pero alegre, a excepción de los espacios en negro, que el artista rellena de estrellas haciéndolos pasar por algún punto del universo. Lleva ya más de 2.000 muros intervenidos.

Cuando, en diciembre de 2014, encontró en Facebook a los chicos de la Church Brigade que habían montado su propio  skatepark dentro de una iglesia.

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La iglesia actualmente desacralizada de Santa Bárbara, en Llanera, Asturias, cuyo origen se remonta a 1912, estuvo abandonada durante décadas. Hasta que el colectivo Church Brigade (un grupo de aficionados al patinaje) rescató esta iglesia para convertirla en un lugar donde practicar sus actividades el “skateboardin”.

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El artista Okuda San Miguel se sumó a esta iniciativa con otro proyecto, el de intervenir el templo con su graffiti de colores geométricos y que a través del crowdfunding en Verkami consiguieron 24.514€ para decorar muros interiores, columnas, bóvedas y hasta vidrieras. Hoy la iglesia se ha convertido en un lugar de reunión y referencia artística y cultural en pleno siglo XXI.

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Video de la entrevista que realizo restosdecultura.com al artista Okuda San Miguel

Para realizar el diseño Okuda ha tomado como punto de partida su iconografía mas representativa, la Kaos Star, una rosa de los vientos asimétrica que ya ha plasmado en muros de todo el mundo. A partir de ahí distintos triángulos de colores vivos se unen en geometrías imposibles para dar lugar a rostros de personas, animales y calaveras. Los colores del arco iris contrastan con los cielos nocturnos plagados de estrellas y los diurnos cubiertos de nubes, pintados todos a golpe de spry.

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Su icónica obra Kaos Star es la rosa de los vientos que nos viene a decir que no importa dónde estés, o lo que estés haciendo, que lo importante es tener tus propias referencias para conseguir tus metas, algo que allí se percibía claramente y le hizo pensar en este espacio como un KAOS TEMPLE

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La Iglesia Skate decorada abrió sus puertas el pasado 10 de diciembre con un espectáculo de skate donde participo como estrella el patinador Dani León, un jovenskater que con tan sólo 21 años ya se encuentra entre los diez mejores del mundo, «Es increíble patinar aquí dentro, mire donde mire, descubro nuevas formas, nuevos detalles» dijo en una entrevista; aunque no será el único que se acerque a la Llanera. Todo aquel que quiera visitar este espacio unico en el mundo, es mejor que visite su web antes, porque, aunque el acceso es libre hay que pedir cita previa.

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Video de Final de Proyecto expuesta en el crowdfunding en Verkami

Sin duda, este será uno de los hitos más importantes en la carrera de Okuda. Una expresión creativa que quiere convertirse en referente de agitación cultural y de promoción de nuevos espacios para el arte.

 

Fuentes: NEO2, Verkami, ABC, Restosdecultura.com, Territorio museo, Eldiario.es

 

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¡Exposición de Arte Invisible! Una Locura

Exposición en Nueva York de “Arte Invisible” de la artista Lana Newstrom que vendió una de sus obras invisibles por la friolera suma de 10 millones de dólares

Se ha vuelto definitivamente loco el arte?  Muchos dicen que,  cada vez entienden menos el arte, ya que ciertas instalaciones de arte conceptual  se venden por más de lo que cualquier artista  ganaría en toda su vida. Hay determinados arte que parecen burlarse de la inteligencia del espectador y perpetúan desafortunados estereotipos sobre los artistas y el arte. Es como el “El traje nuevo del emperador”, donde nadie se atreve a cuestionar lo que todo el mundo sabe que es verdad. Estamos adormecidos en la creencia de, eso es “arte” porque los “expertos de turno” dicen que es “arte”.

Esto viene a cuento por una noticia que ha escandalizado a muchos, se trata de la exposición en Nueva York de  “Arte Invisible” de la artista Lana Newstrom y que vendió una de sus obras invisibles por la friolera de 10 millones de dólares.  Una locura, una provocación.  La artista fue entrevistada por la cadena CBC donde le preguntaban por su arte tan peculiar, “El hecho de que usted no puede ver nada –declara la artista– no significa que yo no puse horas de trabajo en la creación de las piezas, o que la obra no exista, el arte es imaginación, por eso tienes que imaginar la pintura o escultura que se encuentra frente a ti” … Newstrom crea el ‘arte invisible’ y los coleccionistas pagan miles de dólares por ellas, ha dicho su representante.

Bueno, espero que esta noticia no te amargue el día, porque, menos mal que es mentira, la noticia era una broma de la CBC,  y que lo desvelaron ante la reacción de la gente que estaban expresando su indignación y rabia en las redes sociales.

Pero lo penoso de esta sátira de la radio es que nadie se molestó en comprobar su fiabilidad,  ¿será que nos estamos acostumbrando a este tipo de noticias en el arte contemporáneo?.

La noticia original de la CBC   http://www.cbc.ca/player/play/2608863585

Parece que el mercado está acabando con todo, incluido el arte y la inteligencia humana, y para la gran mayoría, los artistas actuales son falsos, y es que existen ejemplos como el millonario y famoso Damien Hirst quien logró vender un borrego inmerso en una caja de cristal con formol por casi 15 millones.

Lo de la exposición de obras invisibles hasta yo me lo he creído. Hace poco en Londres se organizó una y esta si era de verdad. La Galería Hayward montó una exposición con algunas de las “obras invisibles” más significativas del arte contemporáneo, vacío y silencio conceptuales que nos invitan a reflexionar sobre la función de la imaginación en el arte. Una exposición de arte invisible, alguna de ellas bastante famosas en la historia del arte contemporáneo, con un discurso inteligente y bien fundamentado que le daba peso pero no visión, y que sorprendió a los visitantes asiduos de los circuitos culturales por su vacío estético.
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Ahí se encontraron:  la “Escultura Invisible” de Andy Warhol ―un pedestal vacío― y “Mil horas mirando” de Tom Friedman ―la célebre hoja de papel en blanco donde el artista estuvo mirando durante 1.000 horas, en un periodo de cinco años, asimismo tenemos la evidencia de una película que se rodó sin película en la cámara. “No es una broma”, subrayó el director de la Galería Hayward, Ralph Rugoff, cuando anunció los detalles de un programa de verano dedicado al arte invisible. “Esta es la mejor exposición que nunca jamas vais a ver.”

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El Hayward dijo que estaba escenificando la primera exposición del Reino Unido de arte que explora la invisibilidad y el vacío, con alrededor de 50 obras de artistas como Yves Klein, Andy Warhol, Yoko Ono y Maurizio Cattelan.

Y es lo que suele suceder con este tipo de obras más cercanas al arte conceptual que al arte en si, según se entendió durante tantos siglos. La muestra puede parecer una broma o una estafa, el director de la galería, Ralph Rugoff, dice que la experiencia que se genera frente a estas obras invisibles no es para nada desdeñable, antes bien, “enciende la imaginación” y empty-golden-framepermite “explorar un laberinto invisible que solo se materializa cuando nos movemos a su alrededor”.

Esta exposición recuerda el caso del Museo del Arte Invisible, que hace dos años vendió una de sus piezas – invisible, por su puesto en 10 mil dólares y, esta noticia si es verdadera.

 

 

 

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Una Net-Sculpture en el cielo de Londres. La obra es de la artista estadounidense Janet Echelman

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UNA GRAN “ESCULTURA DE RED” ONDEA SUSPENDIDA EN EL AIRE  ENTRE LOS EDIFICIOS DE OXFORD CIRCUS,  LA ZONA PEATONAL MÁS CONCURRIDA DE TODO LONDRES.

La monumental forma flotante se compone de capas de fibra, trenzada y anudadas, construidas con fibras que son 15 veces más fuerte que el acero y en su peso. Un gran tejido de colores vibrantes que se transforma según la dirección del viento y el tiempo que haga, para crear una coreografía de colores ondulantes. Por la noche, la escultura cobra vida con la luces de colores proyectada desde los móviles de los viandantes o peatones. Los colores son patrones precisos que se crean de forma interactiva con la gente del público, que están invitados a usar sus teléfonos inteligentes para seleccionar los colores pulsando los patrones con el tacto en sus pantallas. Estos patrones se proyectan sobre la superficie monumental de la escultura, que empiezan a interactuar entre sí, creando un efecto dominó ante nuestros ojos.

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El título de la instalación 1.8 , hace referencia al tiempo, en microsegundos, que se redujo el día como resultado de un solo evento físico, el terremoto y el tsunami de 2011 que afectó las costas de Japón. La forma de la escultura se inspiró en los datos gráficos sobre la altura de las olas del tsunami.

La obra profundiza en contenidos relacionados con nuestras complejas interdependencias con los ciclos más grandes de tiempo y nuestro mundo físico. La estructura de la red es una manifestación física de interconexión, ya que cuando un elemento se mueve, todos los demás elementos se ve afectadados.” – explica Janet Echelman.

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La obra de arte invita a hacer una pausa en medio del bullicio y la algarabía de las calles, nos ofrece la oportunidad de mirar hacia el cielo y contemplar una manifestación física de la interconexión que nos rodea.janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-5janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-6janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-7janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-8janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-9janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-10janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-11janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-12janet-ECHELMAN-suspende-net-escultura-encima-londres-oxford-circo-13

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Web de: Janet Echelman

Arte: Janet ECHELMAN
Estudio ECHELMAN Equipo: Melissa Henry, Daniel Zeese, Lucca Townsend, Cameron Chateauneuf
Ingeniería: Arup: Clayton Binkley
Simulación Ingeniería de Software: Autodesk
Iluminación y Interactividad: ArtAV
Fotografía y Videografía: Ema Pedro

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Art Basel en Miami Beach

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EL TRABAJO DE UNOS 4.000 ARTISTAS SE EXHIBE  ESTE AÑO EN ART BASEL (MIAMI BEACH), DESDE ESTRELLAS DE PRIMERA FILA HASTA LOS MAS JÓVENES ARTISTAS DE LOS SECTORES DE LA NOVA POSICIÓN.

Redacción: Art People

Estamos ya en el segundo día de feria,  y hemos realizado una encuesta a los principales coleccionistas, artistas y curadores de museos del mundo del arte: Massimiliano Gioni a Jorge M. Pérez, a que nos hablaran los aspectos mas destacados a través de su selección. La tendencia se ha dado un poco a alejarse de los recién licenciados, veinteañeros que dominaron el discurso de mercado estos últimos años, como el caso del director del Instituto Suizo Simon Castets que nos citó el descubrimiento de una pieza de 1965 por Roy Lichtenstein  “sin duda” su favorito de la feria. (La obra, de la serie rosa paisaje marino de Lichtenstein, lo sorprendente es que, también es la tendencia mas recientes que hemos visto en la pintura.) “Esto es lo que hace grande a una feria de arte; quedar sorprendido de lo que has conseguido “, dijo Castets.

 

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Nino Cais  sin título, de las mujeres y las rocas de la serie de 2014

cambiar el tamaño (1)Vista de la instalación del stand de Lisson Gallery en Art Basel en Miami Beach, 2015.

 

cambiar el tamaño (2)Obras de Avinash Veeraraghavan expuestos en el stand de GALLERYSKE en Art Basel en Miami Beach, 2015.

cambiar el tamaño (3)Obras de GCC expuesto en el stand de Proyecto Nativo Informante en Art Basel en Miami Beach, 2015.

cambiar el tamaño (4)Obras de Elias Sime instalados en el stand de James Cohan Gallery en Art Basel en Miami Beach, 2015.

cambiar el tamaño (5)Obras de Sam Anderson expuesto en el stand de Tankstation de la madre en Art Basel en Miami, 2015.

cambiar el tamaño (6)Obras de Gavin Kenyon instalado en el stand de Galería Cero en Art Basel – 2015 – Miami

 

cambiar el tamaño (7)Obras de Parque McArthur instalados en el stand de Essex Street en Art Basel 2015- Miami

cambiar el tamañoArt Basel en Miami Beach, 2015.

Fotos por: Oriol Tarridas para artsy
Via https://www.artsy.net/
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Edvard Munch y el grito de la naturaleza

Según un estudio realizado en 2003, parece ser que la puesta de sol de lenguas de fuego muy intensa de “El Grito· fue debida a la erupción del Krakatoa en 1883.

 Esa tarde se juntaron varias circunstancias, Edvard Munch acababa de salir del sanatorio psiquiátrico de visitar a su hermana, iba apesadumbrado , angustiado y abatido... “Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito enorme, infinito de la naturaleza”. 

el-grito-munch-replica-de-arteEl hombre representado en el cuadro no está gritando sino que está aterrorizado  protegiéndose con las manos del estruendoso ruido del grito de la naturaleza.  De fondo se ve el fiordo de Oslo, tal y como se contempla desde la colina de Ekeberg y las lí­neas distorsionadas que le rodean representarí­an el ruido.  Munch realizó varias versiones de esta obra.

El lugar donde recrea la escena era el mismo lugar donde se encontraba el sanatorio psiquiátrico donde estaba internada su hermana Laura y cerca de un bosque donde se había suicidado un amigo íntimo. Todo aquel dolor convergió en ese instante de angustia que el pintor refleja en “El Grito”

 La pintura de Munch es existencial, es el arte como sentido de la vida.  A veces, hay momentos  cruciales que por su magnitud todo converge que parece que la naturaleza nos habla o nos grita.  

Edvard Munch

Edvuad Munch el pintor de la angustia

Munch,  no refleja en su obra las impresiones que le causa observar la realidad, sino lo que nacen en su interior, en las emociones y sentimientos que afligen su alma. Son un relato de su existencia

El día que la naturaleza gritó   

Entre las islas de Java y Sumatra en Indonesia se encontraba el archipiélago de Krakatoa, un conjunto de pequeñas islas que rodeaba tres volcanes que en mayo de 1883 daba avisos de que una gran erupción se estaba preparando. La expulsión de cenizas se elevaba en columnas que superaban los seis mil metros de altura y el ruido de las explosiones era oído a más de ciento cincuenta kilómetros de distancia , el 19 de junio se producía una nueva erupción y estas se intensificaron durante el mes de agosto hasta que el 26 de ese mismo mes las erupciones eran continuas y la columna  de cenizas expulsadas por las bocas de los conos volcánicos alcanzaba los veintisiete kilómetros de altura, provocando pequeños tsunamis en las costas de las vecinas y grandes islas de Java y Sumatra. Un día después, a lo largo de la madrugada del 27 de agosto de 1883, se sucedieron cuatro grandes explosiones, siendo la última, ocurrida a las 10:02 hrs de la mañana, la más fuerte de todas. El sonido de esta última explosión llegó a escucharse en las costas de Australia, a 3500 kilómetros de distancia, y la columna de ceniza alcanzó los ochenta kilómetros de altura

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Es difícil hacerse una idea de las dimensiones de esta erupción pero se dice que el sonido de la última explosión ha podido ser el más alto registrado en la historia y que personas que se encontraban hasta a cuarenta kilómetros de distancia quedaron sordas por la fuerza de la explosión, las cenizas cubrieron un área de 825.000 kilómetros cuadrados, una vez y media la superficie de España, y se produjeron tsunamis que alcanzaron hasta las costas de Sudáfrica. El agua tenía tanta fuerza que un buque de guerra alemán atracado en la isla de Sumatra  fue arrastrado hasta cuatro kilómetros al interior de la jungla. Hoy los científicos estiman que la energía liberada en la última de las explosiones de aquel día era equivalente a la de siete mil bombas atómicas como la detonada en Hiroshima y más de 36.000 personas murieron  por esta erupción, dejando despobladas las islas alrededor de Krakatoa. La enorme cantidad de polvo generada por esta erupción se extendería por la atmósfera y se uniría a la generada por otras quince erupciones volcánicas que se produjeron en un plazo de tiempo muy breve, lo que haría un efecto invernadero sobre el clima mundial, alterando circunstancialmente el clima durante unos años y provocando amaneceres y atardeceres de intensos coloridos debido al polvo en suspensión que permanece en la atmósfera y que también causa la aparición de un halo alrededor del sol conocido como “Anillo de Bishop”.

La erupción del Krakatoa de 1883 tuvo mucho que ver con un pintor noruego llamado Edvard Munch y su obra “El grito”. En la biografía que trataremos veremos entre otras cosas la relación de ese hecho importante.

La biografía de Munch es una lucha permanente entre la razón y la sinrazón. Vivió dos guerras mundiales, supo del éxito, de la amistad, de la inseguridad en el amor. El arte fue el espejo de su vida y la escritura reflejaba su existencia.

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Sus cuadros dan cuenta de ese hombre expandido hacia lugares psíquicos incalculables: La niña enfermaMadre e hijaMujer vampira en el bosque o el desesperante Desnudo femenino de rodillas. Una pieza con algo de fulminante. Y dice: “En mi arte he tratado de explicar a mí mismo la vida y su significado. También he tratado de ayudar a otros a clarificar sus vidas”.

Viajamos al 12 de diciembre de 1863, el día en el que nace Edvard  Munch en el pueblo noruego de Loten, segundo hijo del matrimonio  Edvard Christian Munch y Laura Catherine Bjölstad que un año antes había dado a luz a la hermana mayor de Edvard, Sophie. En 1864 la familia se traslada a Kristiania, la actual Oslo.

En los años siguientes la familia Munch se amplia con el nacimiento de tres hijos más , Andreas, Laura e Inger. Pero no tardarían las desgracias en angustiar al pequeño Edvard, que pierde a su madre en 1868 víctima de la tuberculosis. También Edvard tenía una salud delicada y padecía con frecuencia de bronquitis. En 1876,  con trece años de edad, expulsa esputos manchados de sangre al toser, pero estos síntomas de tuberculosis no se agravaron y superó la enfermedad, algo que no logró su hermana mayor ,Sophie, que murió al año siguiente con sólo quince años de edad, lo que supuso otro golpe para la sensible naturaleza de Edvard , una sensibilidad exacerbada por la estricta educación que recibe de su padre, un hombre obsesionado por la rígida fe protestante.

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Fotografía de la familia Munch. En el centro su madre Laura Catherine, que moriría en 1868 de tuberculosis, a la derecha en la imagen vemos de pie al pequeño Edvard Munch y al otro lado su hermana mayor Sophia, que también moriría de tuberculosis en 1877

 Es probable que fuera entonces cuando comenzó a buscar un refugio en el dibujo para evadirse del triste panorama vital que le rodeaba, pero como buen calvinista su padre consideraba a los artistas como personas que iban por el camino equivocado del pecado y prefería que Edvard estudiara ingeniería, carrera que iniciaría en 1879 para abandonarla sólo un año después y desafiando la autoridad de su padre se matricula en la Escuela Real de Dibujo de Oslo y no tardará en salir a la luz su habilidad y talento para el dibujo y la pintura, consiguiendo ya en 1881 vender dos de sus obras. Podríamos pensar que aquello ablandó el corazón de su estricto padre,  pero no fue así y menos cuando supo que su hijo se relacionaba con la comunidad artística más radical de la ciudad . Durante estos años ejerce una gran influencia sobre el joven Edvard el pintor noruego Christian Krohg(1852-1925) que en esos años había viajado a París y entrado en contacto con las nuevas corrientes del impresionismo francés.

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“Autorretrato”. Una obra fechada entre 1881 y 1882 , cuando Edvard era un joven de diecinueve años que refleja en su rostro severa seriedad y la ausencia de alegría

El joven Munch es también un hombre atractivo y con bastante éxito entre las mujeres , aunque sus relaciones con ellas no serán sencillas . En 1885 tendrá una relación amorosa con una mujer casada, y tal vez fue esto el detonante de que ese mismo año abandonara Noruega para viajar a Francia y conocer a los pintores impresionistas de los que sin duda le habría hablado su maestro Christian Krohg.

Durante su estancia en París conoce a pintores como Paul Gaugin(1848-1903), visita el Louvre y se deja cautivar por el impresionismo que influirá en las siguientes obras que realizará de regreso en Oslo ,  entre las que se encuentran  Al día siguiente,Pubertad y La niña enferma con las que participará en la Exposición de Otoño de Oslo en 1886. Esta última, “La niña enferma” , es considerada la primera de sus grandes obras y causó cierto  escándalo entre la sociedad noruega pues en ella Edvard había representado a su hermana Sophie mientras se hallaba en su lecho de muerte. Según contaba el propio Edvard en un momento de su creación se le ocurrió lanzar una botella de disolvente sobre el cuadro para que la pintura chorreara y difuminara las figuras , acentuando el dramatismo de la escena. La obra fue objeto de burla y rechazo por la sociedad de su época, que no entendió el dolor que expresaba aquella pintura que era más que un cuadro, era un pedazo de la vida de Munch quelloraba mientras lo pintaba rememorando el dolor por la muerte de su hermana. Como él mismo diría “No voy a pintar más interiores con hombres leyendo y mujeres tejiendo. Voy a pintar la vida de personas que respiran, sienten, sufren y aman.”, quería representar las emociones de las personas, sus sentimientos, su dolor, su sufrimiento y para ello usaba muchas de las emociones de su niñez y reconocía que“Pinto de mi memoria las impresiones de mi infancia” .

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“La niña enferma” considerada la primera gran obra de Edvard Munch , una obra que estaría siempre marcada por el dolor y los sufrimientos padecidos durante su infancia , con las muertes de su madre en 1868 y su hermana mayor Sophie en 1877. La obra es del año 1885, ocho años después de perder a Sophie pero inspirada en ella. Munch escribiría “En la misma silla que pinté “La niña enferma” nos sentamos yo y mis seres amados,empezando por mi madre, invierno tras invierno, anhelando el sol, hasta que la muerte se los llevaba” Y más tarde añadiría “En la casa paterna se alojaba la enfermedad y la muerte” y reconoce que “creo que nunca logré superar ese periodo de mi vida” para concluir que “Todo eso constituye el fundamento de mi arte” Un arte marcado por la perdida, pero también un arte que le salva de sí mismo y de su angustia. Quizás sin ese dolor no habría creado sus obras o habría sido otro muy diferente y menos intenso que la desolación , la soledad, el temor que transmiten estos cuadros . Sobre “La niña enferma” Edvard señalaba lo importante que fue para él ya que “Con La niña enferma abrió caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

Laura, otra de sus hermanas, presentaba los primeros síntomas de una dolencia mental, esquizofrenia. En octubre de 1889 la suerte parece cambiar para Munch cuando el gobierno noruego le concede una beca para estudiar en París. Sin embargo, apenas un mes después recibe la noticia de la muerte de su padre y la depresión se apodera del artista que escribe en su diario “Vivo con la muerte”. Pero como sucedería a lo largo de toda su vida el arte le servirá de refugio , como él mismo reconocía ” Mi arte da sentido a mi vida”. Durante los dos años siguientes desarrolla su obra siguiendo las pautas del impresionismo, pero no se siente satisfecho , como si a través de este tipo de pintura no pudiera expresar todas sus emociones y comienza a introducir cambios a partir del conocimiento de las obras de Gaugin y Vincent Van Gogh. Su obra se vuelve más intensa y osada  y en 1892 recibe la invitación de la Asociación de Artistas de Berlín que se inauguraba en noviembre de ese año.  Pero Alemania todavía no había asimilado el impresionismo y las innovaciones introducidas por Edvard causarían el escándalo de la conservadora sociedad berlinesa y apenas una semana después de su inauguración la exposición es cancelada.

Sin embargo, esta decisión no es aceptada por todos los artistas  y algunos de ellos decidieron separarse y formar su propia institución, lo que sería conocido como la Secesión de Berlín, donde la obra de Edvard era una de sus principales banderas. Sintiéndose bien acogido y valorado por primera vez, Edvard decide quedarse en Alemania y al año siguiente, en 1893 , pintaba la que sería su obra más famosa y que ha sido el origen de este artículo a raíz de la subasta de uno de los cuatro cuadros que llevan el mismo título, “El Grito”.  La obra recuperaba los recuerdos de un paseo por el barrio de Ekeberg, en Oslo, en compañía de unos amigos, donde se hallaba el sanatorio psiquiátrico donde estaba recluida su hermana Laura. En el marco del cuadro aparece la siguiente inscripción realizada por Edvard , al menos una de las traducciones porque hay diferentes traducciones que varían en algunas palabras aunque no en la esencia del mensaje “Iba caminando con dos amigos . El atardecer. De repente el cielo se tiñó de rojo, y sentí el aliento de la tristeza. Me detuve. Me apoyé contra la valla mortalmente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando , mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito que atravesaba la naturaleza.”

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La primera versión de “El grito” de 1893 conservada en la National Gallery de Oslo , una de las cuatro versiones que realizaría sobre esta obra Munch. En ella no aparece el poema que si está en el marco de la que ha sido subastada y que es la única que estaba en manos privadas y cuyo comprador se desconoce.  Mirad la figura, dejad que su imagen os cautive ¿quién grita? La primera impresión es que es el protagonista, el propio Munch, pero en realidad es el grito de todo lo que le rodea . Así lo explica el propio autor “Iba caminando con dos amigos . El atardecer. De repente el cielo se tiñó de rojo, y sentí el aliento de la tristeza. Me detuve. Me apoyé contra la valla mortalmente abatido. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando , mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza.” El lugar donde recrea la escena era el mismo lugar donde se encontraba el sanatorio psiquiátrico donde estaba internada su hermana Laura y cerca de un bosque donde se había suicidado un amigo íntimo. Todo aquel dolor convergió en ese instante de angustia que el pintor refleja en “El Grito”.

 

Esas “lenguas de fuego y sangre “ que Munch pinta en su cuadro y que recordaba haber contemplado en el cielo de Oslo aquella tarde junto al sanatorio donde estaba internada su hermana  son las que han llevado a que un astrónomo aventurara en 2004 que aquel cielo rojo podría ser la consecuencia de los amaneceres y atardeceres de un brillante colorido que se pudieron observar por todo el planeta en los años posteriores a la erupción del Krakatoa, aunque esta es una tesis que no es compartida por muchos especialistas de arte que consideran que Munch no retrataba lo que estaba viendo, sino lo que sentía. Eso es exactamente lo que refleja “El grito” , el cuadro reune todas las angustias acumuladas en el alma de Edvard a lo largo de su infancia y juventud , las muertes de su madre y de su hermana mayor, la frialdad y rigidez del trato con su padre y la muerte de este, la enfermedad mental de su hermana Laura y su propio miedo a la locura a la muerte y a la misma vida , la translación a la pintura de sus palabras “El arte es el corazón de la sangre.” y concentrada en ese grito sordo que nos estremece cuando contemplamos esta obra.  El cuadro pasaría a formar parte de una serie de obras que tituló “El friso de la vida”y que eran realmente un recorrido por su propia vida, en la que retrataba la muerte de su madre, de su hermana y también momentos más luminosos como sus relaciones amorosas.  En 1895 donde sigue profundizando en la influencia que pintores como Gaugin y Van Gogh tenían sobre su forma de pintar. Mientras sigue trabajando en las obras que se unirán a “El grito” en su serie de pinturas de “El friso de la vida”,como “Melancolía” de 1892  ,”Pubertad” de 1895 o “Celos” de 1895,  en 1898 Munch conoce a una rica soltera alemana llamada Tulla Larsen.

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Fotografía de 1899 de Tulla Larsen, la joven alemana de 29 años y perteneciente a la clase alta y Edvard Munch, entonces con 36 años de edad, una relación tormentosa, en la que él trató de alejarse pero ella no lograba olvidarlo y que terminó con el extraño suceso del disparo en la mano izquierda de Edvard . Edvard escribió en una ocasión “El arte deriva de un deseo de la persona para comunicarse con otro.” y él sabía comunicarse mejor a través de sus obras que en persona. Sus relaciones sentimentales no fueron felices y durante los últimos veinte años de su vida decidiría apartarse del mundo y vivir en soledad

En 1899 emprenden un viaje juntos a Italia pero Munch se siente agobiado por el carácter posesivo de Tulla y decide acabar con la relación aunque ella no lo acepta. Después de dos años de separación Tulla no parece olvidarse del pintor y lleva su obsesión hasta el extremo de establecerse junto a su casa en la costa. Un día , nos cuenta Elizabeth Lunday en su obra “Vidas secretas de grandes artistas”, recibe una carta en la que le informan de un intento de suicido de Larsen pero cuando va a verla para  saber como se encuentra descubre que era una mentira urdida por Larsen para poder verle. Se inicia una discusión y sale un arma a relucir, no se sabe si de Munch o de Larsen y se produce un disparo , sin que tampoco sepamos si fue obra de ella o de él, pero si el resultado porque la bala destrozó el dedo corazón de Munch, una herida que le dejaría secuelas en la mano para toda la vida. Mientras estas turbulencias alteran su vida privada en 1900 termina las últimas obras que conforman su“Friso de la vida” y comienza a exponerlas durante los años siguientes en los que su obra ya no es despreciada como lo había sido hasta poco antes . En 1903 expone en la galería berlinesa de Carisser y durante los siguientes años se suceden las exposiciones de Dinamarca, Alemania y Francia. 

La obra de Munch se convierte en la precursora de un movimiento que no se limitará a la pintura, sin que abarcará todas las manifestaciones artísticas de comienzos del siglo XX, desde la pintura al teatro, desde la arquitectura a la literatura y la escultura, una nueva corriente artística que tendrá su cuna en Alemania y recibirá el nombre de expresionismo. Edvard se había sentido demasiado limitado dentro de la escuela impresionista , que trata de plasmar en la obra la impresión que le causa un paisaje o una persona,es decir,la impresión de la realidad,    pero él quiere ir más allá ,quiere representar sus emociones, su visión interna de lo que observa y como esto le afecta, su pintura es la expresión o interpretación de lo que ve a través de sus ojos y pasado por el filtro de su espíritu, por eso se le llama expresionismo, porque es su expresión intima y particular de esa realidad . Pero el éxito profesional no va acompañado de la paz de su espíritu y durante el año 1905 tiene que detener su trabajo para tratarse de su adicción al alcohol y de sus constantes depresiones. El miedo a caer en la locura como su hermana Laura está siempre latente en la mente de Edvard.

Un año después  continúa trabajando en Alemania preparando los decorados para dos obras del dramaturgo  noruego Henrik Johan Ibsen (1828-1906) que moría ese mismo año, por encargo del productor de teatro y posteriormente también de cine Max Reinhard(1873-1943), uno de los principales impulsores del expresionismo en Alemania. Continúan las exposiciones y los viajes  hasta que en otoño de

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Autorretrato   De mi cuerpo putrefacto surgirán las flores. Y yo estaré en ellas. La eternidad.

 1908 comienza a sufrir ataques de parálisis , en los que en ocasiones no puede mover una pierna o un brazo. Mientras se halla en Copenhague sus amigos consiguen que le vea un médico quién le diagnosticará parálisis alcohólica . Las grandes cantidades de alcohol que consumía Edvard le afectaban a su sistema nervioso provocándole las parálisis. De nuevo tiene que internarse en una clínica donde permanecerá durante ocho meses en los que recibirá tratamientos de baños con barro caliente y también pequeñas descargas eléctricas y , sobre todo, no beberá ni una gota de alcohol, por lo que en la primavera de 1909 se encuentra mejor que durante los últimos 25 años en los que no había dejado de beber de manera continua. Decide regresar  a Noruega, viviendo en una casa en la costa y se suceden las exposiciones tanto dentro como fuera del país , mientras que sus salidas son cada vez menos frecuentes.

Munch, Edvard - Woman in three stages - 1894

Una de las obras más importantes de Edvard Munch, “La mujer en tres etapas”, realizada poco después de “El Grito” en 1895. El propio Edvard nos cuenta como describió la pintura al gran dramaturgo noruego Henrik Ibsen, para el que años después pintaría los decorados para dos de sus obras “Fue en 1895. Hice una exposición en el otoño en Blomquist. Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí esta la mujer soñadora, allí la mujer hambrienta de vida y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles…Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro” La obra de Munch no dejaba indiferente a nadie, pero la sociedad escandinava aún no estaba preparada , como también escandalizarían sus obras en Alemania . Estaba rompiendo con la tradición clásica, también se separaba del impresionismo, que entonces era la vanguardia, y habría una nueva corriente artística, el expresionismo, donde son los sentimientos, las emociones íntimas las protagonistas

 Durante la Primera Guerra Mundial se traslada a una casa a las afueras de Oslomientras que por fin ha logrado la fama dentro de su país. Munch siempre tiene presente sus problemas de equilibrio emocional que él reconocía como parte de sí mismo y decía “La enfermedad, la locura y la muerte son los ángeles negros que custodiaron mi cuna y me acompañaron durante toda la vida”. Terminada la Gran Guerra Edvard sigue llevando una vida tranquila en su retiro que será interrumpida por la muerte de su hermana Laura en 1926 y no tuvo fuerzas ni para presenciar su entierro. Con la llegada del partido nazi al poder en Alemania en el año 1933 su obra comenzará a ser despreciada por el nuevo gobierno nazi y gran parte de la obra de Edvard queda clasificada dentro de ese amplio concepto al que Adolf Hitler(1889-1945)calificaba de Entarte Kunst que puede traducirse con una expresión que os será familiar, el  “arte degenerado”, título de una exposición celebrada en Munich en la Haus der Kunst,inaugurada ese mismo año como primer ejemplo de la nueva arquitectura nazi al servicio del poder y los delirios de grandeza de Hitler, y en la que se exponían obras de pintura moderna que iban acompañadas con etiquetas donde se incluía una explicación destinada a mofarse de la obra. Consideraban que todas aquellas obras así clasificadas no eran alemanas y tenían una inspiración judía y bolchevique, dos de las grandes obsesiones nazis. En esta exposición, además de obras de Edvard Munch se encontraban también pinturas de Van Gogh, de Pablo Picasso(1881-1973), Henri Matisse(1869-1954) y tantos otros genios de la pintura de finales del siglo XIX  y los inicios del XX.

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Uno de sus últimos autorretratos titulado “Autorretrato entre el reloj y la cama” realizado entre 1940 y 1942 en los días de la ocupación alemana

La exposición sería todo un éxito , siendo visitada por más de dos millones de alemanes, pero lo peor para Munch estaba por llegar, pues en septiembre de 1939 Alemania invade Polonia  y comienza la Segunda Guerra Mundial. Alemania iniciaba la Operación Weserübung que con la excusa de proteger a Dinamarca y Noruega de ataques del Reino Unido y Francia, las había ocupado incorporándolas al creciente III Reich alemán. Contra lo que pudiéramos pensar, los nazis trataron de ganarse el apoyo de Munch, seguramente porque eran conscientes del peso que tenía en la cultura noruega y lo impopular que habría sido su detención y más aún su eliminación. Pero Munch se negó a aceptar cualquier tipo de colaboración con los nuevos opresores de Noruega  y aunque esperaba represalias por esta negativa Munch no sería molestado por los nazis aunque si retirarían muchos de sus cuadros de las galerías de arte noruegas. Poco después, en 1942, su obra cruza el Atlántico y es expuesta en los Estados Unidos . Ya en 1943, con motivo de su ochenta cumpleaños, se suceden los homenajes por todo el territorio y a pesar de su delicado estado de salud trata de asistir a todos ellos , agradecido por los honores que se le rendían al final de su vida.

Finalmente, el cansado cuerpo de Edvard Munch, después de años de lucha contra las depresiones y con la adicción al alcohol superada , fallecía el 23 de enero de 1944 en completa soledad como había querido vivir durante las últimas décadas de su vida, pero sin dejar de producir, ya que en el segundo piso de su casa, donde nadie había tenido acceso durante años, se encontró un auténtico tesoro artístico que incluía 1008 cuadros, 4443 dibujos, 15391 láminas. 378 litografías , 188 aguafuertes , 148 grabados en madera, 155 placas de cobre y gran cantidad de fotografías  además de sus diarios. Las obras las había donado en su testamento Munch a la ciudad de Oslo y en 1963, durante la conmemoración del primer centenario de su nacimiento , abría sus puertas el Museo de Munch en Oslo  conteniendo todas las obras que había donado en su testamento.

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“Madona” Edvard Munch el pintor de la angustia

 

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“Encuentro en el espacio” Los destinos humanos son como los planetas. Como una estrella que aparece en la oscuridad y se encuentra con otra estrella, reluce un instante para luego volver a desvanecerse en la oscuridad, así se encuentran un hombre y una mujer, se deslizan el uno hacia el otro, brillan en un amor, llamean, y desaparecen cada uno por su lado. Sólo unos pocos se encuentran en una gran llamarada en la que ambos pueden unirse plenamente.

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“El beso” Dos labios ardientes contra los míos, el cielo y la tierra se desvanecieron y dos ojos negros miraron dentro de los míos.

 

 

Fuentes: Museo Thyssen-Bornemisza, El Mundo, Mentidero de Mielost, Art Institvte of Chicago.

 

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Edvard Munch

Imagen de la Exposición

Edvard Munch
Madre e hija, 1897
Óleo sobre lienzo. 135 x 195 cm
Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, Oslo
Photo Jacques Lathion
© Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en sus salas Edvard Munch. Arquetipos, la primera exposición del pintor noruego en Madrid desde 1984. La muestra reúne una selección de ochenta obras que examina la larga y prolífica carrera del pintor y muestra su capacidad de sintetizar las obsesiones del hombre contemporáneo.

La exposición reúne un amplio catálogo de arquetipos emocionales a través de los cuales Munch nos revela diferentes obsesiones existenciales como amor, deseo, celos, ansiedad o muerte; o estados anímicos como melancolía, pasión o sumisión.

Cada una de las secciones se configuran alrededor de estos arquetipos a través de la representación de la figura humana en diversos escenarios – como la costa, la habitación de la enferma, la habitación verde, el bosque, la noche o el estudio del artista-, combinando obras tempranas y versiones tardías, pinturas y obra gráfica, para subrayar la circularidad temática y existencia de la obra de Munch.

Hasta el 17 de enero se puede ver en el Thyssen es un intento de rescatar a Munch del peso de sus iconos y mostrar su obra con la complejidad y universalidad que merece. Con un total de 80 cuadros (42 prestados por el Museo Munch de Oslo, 23 de colecciones internacionales, 3 del depósito de Carmen Thyssen y el Atardecer del propio museo) se recorren todos aquellos temas a los que el artista volvió una y otra vez y sobre los que experimentó las técnicas más innovadoras: melancolía, muerte, mujer, melodrama, amor, vitalismo y desnudos.

Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

 

 

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La XIV Feria Internacional DEARTE contemporáneo, Una gran oportunidad para los artistas visuales

La XIV Feria DEARTE Contemporáneo se celebró en Madrid del 23 al 26 de abril en LASEDE del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, COAM y, durante el mes de mayo, en el Palacio de la Audiencia de Soria y en el Palacio Ducal de Medinaceli.

 

 

Feria DEARTE, cerro su edición XIV con un gran éxito de participación y visitas, contó con la participación de más de un centenar de artistas de distintos estilos y tendencias. Es la feria española más veterana después de ARCO. Reúne a artistas nacionales e internacionales bajo el lema Arte para Vivir. Pintura, escultura, obra gráfica, fotografía, video instalaciones…
La feria establece sinergias con otras disciplinas como son el diseño, la moda o la gastronomía.

 

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Esta abierta la convocatoria para la próxima edición XV Feria Internacional DEARTE de Artistas Contemporáneo del 25 al 28 de Febreo 2016

Mas información:

https://arteespacioycontenido.wordpress.com/2015/12/15/convocatoria-xv-feria-internacional-dearte-contemporaneo/

 

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